Die Kontraste des Amerikas des 20. Jahrhunderts

Vergangene Woche eröffnete das Museo Carmen Thyssen die Ausstellung 'American People. Fotografía documental americana (1930-1980)', die mehr als 80 Aufnahmen von elf bedeutenden Fotografen des 20. Jahrhunderts vereint. Die Exponate, die bis zum 13. Oktober in der Sala Noble und im Espacio ArteSonado des Museums zu sehen sind, stammen aus der Sammlung von José Luis Soler Vila, dessen Witwe Susana Lloret schon früher mit dem Museum anhand von Leihgaben zusammengearbeitet hat.

Dieses Projekt ist eine Reise durch die visuelle Geschichte der Vereinigten Staaten, durch ihre Straßen, ihre Gesichter und ihre Widersprüche. Eine Ausstellung, die alltägliche Szenen, Porträts, frenetische Partys und die Stille der Stadt zeigt. Bilder, die nach den Worten von Lourdes Moreno, der künstlerischen Leiterin des Museums, «für sich selbst sprechen». Die Ausstellung wurde von Bárbara García und Alberto Gil kuratiert. Sie haben Aufnahmen ausgewählt, die eine Erzählung konstruieren, die weit über die reine Ästhetik hinausgeht.

Von den 1930er bis zu den 1980er Jahren zeigt die Ausstellung, wie sich die Dokumentarfotografie im Rhythmus der Städte, der Techniken, der sozialen Konflikte und der Anliegen derjenigen, die hinter der Kamera stehen, entwickelt hat. «Die Ankunft der 35-mm-Kamera war entscheidend, denn der Fotograf gewann an Autonomie und das veränderte alles», erklärt Moreno.

Unter den ausgewählten Aufnahmen befinden sich Werke bedeutender Vertreter der Fotografie des 20. Jahrhunderts wie Walker Evans, Robert Frank, Helen Levitt, Imogen Cunningham, Lee Friedlander und Anthony Hernández. Unter den elf Fotografen befinden sich nur drei Frauen, ein aufschlussreicher Anteil, der auch Teil der Botschaft der Ausstellung ist. Denn da ist Helen Levitt mit ihrem humanistischen und poetischen Blick auf die New Yorker Vorstädte, Susan Meiselas, die die Stripperinnen auf den Jahrmärkten porträtiert, oder Imogen Cunningham, die den Stereotypen der weiblichen Fotografie in der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts die Stirn bietet.

Helen Levitt sticht mit einer in einem Vorort von New York aufgenommenen Fotografie mit spielenden Kindern hervor. Susan Meiselas wiederum präsentiert ihre berühmte Serie 'Carnival Strippers', ein Werk, das das Leben der Jahrmarktsstripperinnen der 1970er Jahre zeigt, mit Bildern, die nicht nur die Bühne, sondern auch die Zuschauer porträtieren. «Es gibt einen doppelten Blick, der zum einen anprangert, aber auch die Sorge um die Würde der Porträtierten manifestiert», erklärt die künstlerische Leiterin des Musems

Unter den ikonischen Werken sticht das Foto von Marilyn Monroe hervor, das Garry Winogrand 1955 während der Dreharbeiten zu 'The Seven Year Itch' (Das verflixte 7. Jahr) aufnahm. Ein eingefrorener Augenblick, der heute Teil der kollektiven Erinnerung ist. Die Ausstellung bleibt jedoch nicht beim Mythos stehen, sondern kontrastiert ihn mit Bildern von Randvierteln, überfüllten Plätzen oder einsamen Gesichtern, wie denen von Louis Faurer oder Robert Frank, die die Verletzlichkeit des Individuums inmitten des Trubels festhielten.

Die Ausstellung läuft wie ein sprachloser Film weiter, in dem die Städte mit Leben erfüllt werden. Walker Evans' Kamera bleibt bei den Farmern nach der Großen Depression stehen. Louis Faurer, Robert Frank und Lee Friedlander entscheiden sich für das Urbane, für die Psychologie der Menschen, die im Trubel der Straßen gefangen sind. Und dann ist da noch Tod Papageorge, der uns im Espacio ArteSonado in das Studio 54 in New York führt. Dieser Nachtclub war eine Welt für sich. Der Zutritt war ein Privileg, das nur sehr wenigen vorbehalten war. Mick Jagger schnitt das Eröffnungsband durch. Eine Woche später ritt Bianca Jagger auf einem Pferd hinein, um ihren Geburtstag zu feiern. Designer wie Valentino und Carolina Herrera waren neben extravaganten Gestalten, Drag Queens und Nachtschwärmern, die unter Neonlicht tanzten, zu sehen.

Papageorge wurde nicht wegen seines Ruhmes aufgenommen. Er kam dank eines Kontakts hinein. Mit seiner Mittelformatkamera hielt er nicht nur die Partys fest, sondern auch den Exzess und die sozialen Unterschiede. Er zeigt eine «absolut liberale» Atmosphäre, wie Lourdes Moreno betont.

Hinter jedem Bild verbirgt sich eine Geschichte. Aber auch eine akribische Arbeit der Auswahl, Konservierung und Dokumentation. Carmen Martínez und Carmen Ruiz haben sich um die Registrierung der Werke gekümmert – ein technisches Detail, das selten erwähnt wird, ohne das aber Ausstellungen wie diese nicht möglich wären.

'American People' bietet keine Antworten und zwingt uns auch nicht eine einzige Vision auf. Diese Ausstellung soll uns helfen zu verstehen, dass die Dokumentarfotografie die Zeit nicht einfriert, sondern sie rekonstruiert. «Diese Ausstellung erzählt von den Fotografen, von ihren Prozessen und von der Bedeutung, sich auf die Suche zu machen», erklärt Moreno. Die künstlerische Leiterin des Museums zitierte Harry Callahan, um die Bedeutung dieser Ausstellung mit einem Satz zu schließen, der für alle, die die Welt mit einer Kamera dokumentieren, immer noch gültig ist: «Um Fotograf zu sein, muss man fotografieren. Kein Buch und kein Seminar kann den Akt des Fotografierens ersetzen. Die Erfahrung ist die beste Lektion. Nur der Weg ist wichtig.»